Vraag aan de kunstenaar: Elisabetta Maistrello

We luiden dit voorjaar 2021 in met het Chromatisch Excentrisme van Elisabetta Maistrello, geboren in Vicenza maar al lang woonachtig in Padua, die het kleurenpalet doet exploderen in haar vrouwenportretten. Met haar gevoeligheid en dank zij haar technische precisie is de kunstenares tot een picturale synthese gekomen van een onmiskenbare charme en geeft zij leven aan figuratieve werken met een sterke visuele en emotionele impact. Het weelderige gebruik van het materiaal, de zorgvuldige lichttrillingen en het snelle, instinctieve en expressionistische gebaar dat wordt gegeven door de perfecte combinatie van spatelbewegingen, beslissend en harmonieus, en lichte aanrakingen op de punt van het penseel, maken de artistieke produktie van Elisabetta Maistrello van een brede internationale reikwijdte. De Italiaanse kunstenaar, die al bekend was in Amerika, Rusland, China en Frankrijk, is nu ook op Nederlands grondgebied aanwezig met het project Hedendaagse Italiaanse kunst in Nederland, dat wordt ondersteund door Manzoni Kunst Galerie in Oosterwolde.

Maar laten we eindelijk overgaan tot het interview:

U bent een kind van de goudsmidswereld en, hoewel u zelf goudsmid bent, drukt u zich ook uit in de schilderkunst: hoe en wanneer is uw liefde voor de picturale kunst ontstaan, en in het bijzonder voor vrouwenportretten?

In één woord, atypisch. Ik ben wat je noemt een autodidact artiest. Ik heb altijd al een ader van kunst in mijn bloed voelen pulseren. Dankzij het familiebedrijf ademde ik van jongs af aan de kunst van het goudsmeden in en na verloop van tijd uitte deze creativiteit zich in de creatie van sieraden. Maar schilderen is mijn ware artistieke aard. Ik ging niet naar academies of kunstscholen; toch voelde ik een sterk verlangen om te gaan studeren, dus vertrouwde ik mezelf toe aan meester Vincenzo Ursoleo uit Vicenza en gedurende vier jaar was ik zijn leerling. Ik experimenteerde ook met het hyperrealisme van Luigi Pellanda, maar omdat ik meteen begreep dat dit niet mijn genre was, bracht ik toch veel ideeën mee naar huis voor wat mijn persoonlijke kunstvorm zou worden. Om het academisch tekort in te halen verslond ik veel kunstboeken, ik was op zoek naar mijn stilistische ader en bij het bestuderen van de groten uit het verleden realiseerde ik me dat sommigen me meer aanspraken dan anderen, ik moest begrijpen waarom. Mettertijd heb ik mijn stemming gevonden, mijn stijlcode die goed uitdrukt wie ik ben en wat ik met mijn werken wil communiceren. Ik heb mezelf altijd omschreven als een expressionist, een instinctieve en gebarenloze kunstenaar. Ik creëerde een neologisme dankzij mijn werken dat ik Chromatic Eccentrism noemde.

In uw schilderijen beeldt u de vrouw en haar veelzijdige ziel uit, maar wie inspireert u? Heb je modellen? Vertel ons over je protagonisten…

Het onderwerp dat mijn voorkeur geniet is het portret van een vrouw waarmee ik het gamma van emoties dat wij kennen, overbreng. Wanneer iemand naar een van mijn werken kijkt, is hij niet op zoek naar subliminale boodschappen, hij leest zichzelf zoals ik de emotie lees die mij ertoe bracht dat bepaalde gezicht te maken. In elk schilderij zit een verborgen ik die uit het onbewuste komt. Iedereen kan zich identificeren met wat hij voelt op het moment waarop hij het waarneemt en, het lijkt vreemd, maar het kan van de ene dag op de andere veranderen. Het is geen toeval dat ik altijd portretten schilder, je zou het als een obsessie kunnen omschrijven en daarom wilde ik wat onderzoek doen. Geleerden van de psyche hebben het gedefinieerd als een buitensporig verlangen om naar zichzelf te zoeken. Het kan echt een reis van mijn onbewuste zijn om te zoeken naar emoties die ik niet herken, delen van mij die tot nu toe verborgen zijn gebleven. Ik geloof dat elke kunstenaar, terwijl hij schildert, een weg in zichzelf aflegt, alles kan worden omschreven als een zelfportret van de ziel, zelfs een schilderij van een landschap, een abstract werk of een expressionistisch schilderij. Er zijn geen studies achter een van mijn schilderijen, geen bepaalde personages die mij inspireren of omstandigheden die mij kunnen verlichten. Ik schilder wanneer mijn instinct me daartoe aanzet, en het toeval wil dat instinct altijd uitgaat van het diepste Ego.

Laten we het eens hebben over uw schildertechniek, die zich voortdurend ontwikkelt, zoals blijkt uit uw laatste productie. Uw kunst is figuratief en u geeft de voorkeur aan de expressionistische manier: wat betekent de kleur voor u? Hoe kies je de kleuren voor je onderwerpen? Hoe breng je het aan?

Het belang van kleur wordt verklaard in de naam die ik voor mijn schilderstijl heb gekozen, “Chromatic Eccentrism”, een uitdrukking die de centrifugale stuwkracht van de penseelstreken combineert met de kracht van kleur. De penseelstreken zijn kort en dik, vaak materieel, en lijken op grote schaal te herinneren aan de delicate streken van de beitel, een gereedschap dat ik gebruikte in mijn vorige carrière als goud- en zilversmid. Ik heb de kenmerken van deze eeuwenoude kunst vertaald in de schilderkunst, waarbij ik de beitel heb omgevormd tot het fijne penseel dat het zwart van de ogen uitsnijdt en opgraaft, en het wit, dat in reliëf tevoorschijn lijkt te komen, de taak heb gegeven licht te geven aan de blik en aan de hele figuur. Met een snel gebaar en op een instinctieve manier breng ik kleur aan op het doek en geef vorm aan het vormloze. Hier is geen behoefte aan contourlijnen, behalve die welke nauwelijks worden aangegeven en die de schaduw van het gezicht vormen. Dan creëert het volume zichzelf. De kleur is ongevormd, zonder vorm, pasteus en hardnekkig op het doek, maar bijeengehouden door een kracht die haar in vorm dwingt en haar doet oprijzen uit de monochrome achtergrond, meestal licht, die onder en achter de figuur als een extra kleur kan worden waargenomen. Ik kies de kleur niet, het is de kleur die mij kiest in een onbewuste en instinctieve vorm.

Er is veel vraag naar uw portretten, zelfs in het buitenland. Heb je ooit een bepaalde opdracht gehad, misschien op een ander medium? Je zou een hedendaagse “Rosalba Carriera” kunnen worden…

Ik krijg veel verzoeken, maar niemand heeft ooit om bepaalde media gevraagd omdat ze bij mijn stijl van het moment blijven. Aan de andere kant ben ik degene die nooit stopt met experimenteren en het bestuderen van nieuwe technieken, tot op heden heb ik verschillende media gebruikt van canvas tot aluminium verglaasd en andere materialen.
Het zou een grote eer zijn om een hedendaagse “Rosalba Carriera” te worden, zij is een artieste die ik zeer waardeer maar ik beschouw mezelf niet op haar zeer hoog niveau.

Je hebt het “Arte in Movimento” project opgericht om je kunst op straat te brengen. Kunt u de lezers vertellen waar het over gaat?

Het project is ARTE DA INDOSSARE, ARTE IN MOVIMENTO (KUNST OM TE DRAGEN, KUNST IN BEWEGING), dat staat voor een outfit die je draagt en vervolgens inlijst wanneer je voelt dat het tijd is om dat te doen. Het is geen kledingstuk maar een echt kunstwerk, handgeschilderd, gecertificeerd, genummerd en uniek (elke handgeschilderde afbeelding is uniek en wordt in geen enkel ander kledingstuk herhaald). Praktisch gezien wordt u, door een schilderij te dragen, een integrerend deel van het werk en wordt u, samen met mij, de promotor van ARTE IN MOVIMENTO: geen statisch kunstwerk dat aan de muur hangt, maar een kunstwerk dat op straat loopt, op straat, op de pleinen, waar u maar wilt. Dit idee werd geboren met de gedachte aan een emotionele verkoop, en om een symbolische waarde terug te geven aan de hedendaagse kunst.

Met dank aan de totale beschikbaarheid van Elisabetta Maistrello, herinner ik de lezers eraan dat zij de werken van de kunstenares ook kunnen zien op de website criticoarte.org Elisabetta Maistrello – Italiaanse kunst van ELisa Manzoni, en hieronder vindt u een video die het Art to Wear project laat zien.

Vraag aan de kunstenaar: Giorgio Riva

Vandaag hebben we voor de rubriek Vraag aan de kunstenaar het genoegen de jonge Lombardische kunstenaar Giorgio Riva, geboren in ’75, te ontvangen, die sinds augustus 2020 met zijn symbolische en decoratieve werken deelneemt aan het project Hedendaagse Italiaanse Kunst in Nederland: drie jaar geleden ontmoet tijdens een kunstbeurs in Bergamo, heeft de Italiaanse kunstenaar onmiddellijk mijn kritische nieuwsgierigheid geprikkeld om zijn elegante, elegante en introverte stijl, die een verfijnde innerlijke rust uitstraalt en de emotionele persoonlijkheid van de schilder zelf volledig weerspiegelt. Na jaren van experimenteren met verschillende technieken, van pastel tot spuitbus, van Oost-Indische inkt tot olieverf, heeft Giorgio Riva zijn eigen persoonlijke stijl bereikt dankzij een mix van op verschillende niveaus gesuperponeerde technieken die altijd hout als basis gebruiken, een levend materiaal dat de interpretatie van de menselijke figuur stimuleert in een dromerige en transcendente versie die doet denken aan de Art Nouveau (1890-1910). In zijn werken worden ruimten in de tijd opgeschort en stralen zij rust en harmonie uit dankzij de kleur; daarbinnen wordt de symbolische en decoratieve figuur gedefinieerd door clair-obscur-structuren die gestructureerd worden door kleine herwerkte grafische oogjes die harmonie, formele schoonheid, introspectie en persoonlijke privacy symboliseren. De artistieke poëzie van Giorgio Riva is reeds bekend bij verzamelaars in Noord-Italië en in Amerika, waar Art Deco tot in de jaren veertig in zwang bleef. De kunstenaar is nu op Nederlands grondgebied aanwezig in de Manzoni Kunst Galerie in Oosterwolde.

Maar de tijd is gekomen om Giorgio Riva beter te leren kennen:

Vertel ons over je kunst. Hoe en wanneer ben je herboren als artiest?

Laten we zeggen dat ik me altijd een kunstenaar heb gevoeld, als kind droomde ik ervan schilder te worden, ik heb altijd uit noodzaak getekend, in de puberteit was het een manier om woede, angst en de angst van het opgroeien uit te drukken, de tekeningen uit die periode werden gemaakt op wit karton met zwarte inkt en waren nogal dramatisch. Op volwassen leeftijd was en is het een manier om mijn emoties uit te drukken en zin te geven aan mijn leven: de figuren die ik schilder zijn niet langer dramatisch, maar vertegenwoordigen in hun rust en vrede een soort psycho-fysiek evenwicht dat ik denk te hebben bereikt. In de loop van de tijd heb ik gezocht naar nieuwe uitdrukkingsvormen en nieuwe expressieve technieken, van waskrijt naar spuitbussen, naar olieverfschilderijen tot ik bijna bij toeval uitkwam bij de mengeling van technieken die ik vandaag nog steeds gebruik en die bestaat uit overlappende acrylverven en gekleurde pastels met als drager een houten plank die behandeld is met zeer verdunde acrylverf.

In uw panelen stelt u meestal mooie vrouwenfiguren voor met gesloten of halfopen ogen, waarom is dat? Wie inspireert je: heb je een inspirerende muze?

De vrouwen die ik schilder hebben vaak hun ogen dicht omdat ik ze graag vastleg in momenten van rust en innerlijke kalmte. Naast gesloten ogen wil ik de begrippen rust en gratie ook overbrengen door de gebaren van de handen en door de zwevende bewegingen van het haar. Een echte inspirerende muze bestaat niet, laten we zeggen dat wat mij inspireert een geïdealiseerde schoonheid is, en de vrouwelijke figuur is naar mijn mening de maximale expressie.

In je werk stopt de tijd en kom je in een toestand van kalmte en transcendentie. Volgt de kunstenaar Giorgio Riva deze filosofie ook in het echte leven?

Ik ben zeker een kalm en rustig persoon in het dagelijkse leven, laten we zeggen dat ik dat nog meer ben wanneer ik schilder, het is alsof ik in een creatieve luchtbel terechtkom waarin ik me van de wereld isoleer. Mijn favoriete tijd om te schilderen is ‘s avonds als alles om me heen rustig en stil is.

Hoe kiest u de juiste houten panelen? Wat betekent het om dit natuurlijke materiaal te gebruiken?

Voor mijn schilderijen is de houten drager essentieel, hout is een materiaal waar ik van hou en dat ik zeer goed ken. Ik gebruik meestal multiplexplaten van berken- of populierenhout. Wanneer ik een plank prepareer, kies ik zorgvuldig welke nerven ik in de bodem van mijn schilderijen wil invoegen. Zo kan ik gebruik maken van wat de natuur heeft geschapen, om beweging en pathos aan mijn schilderijen te geven.

Wat zie je in de nabije toekomst? Heb je nog projecten in je la liggen?

In de nabije toekomst droom ik ervan een tentoonstelling te organiseren op een magische locatie die, samen met mijn schilderijen, de bezoeker zal meevoeren in een droomachtige en tijdloze sfeer. Ik zou graag tentoonstellen in Berlijn en Dublin, twee steden waar ik erg van hou.

Ik dank Giorgio Riva oprecht voor de tijd die hij aan ons heeft besteed en voor het vertrouwen dat hij in het project heeft gesteld. Ik wil de lezers eraan herinneren dat zij de aan de kunstenaar gewijde pagina online kunnen bezoeken op http://www.criticoarte.org (Giorgio Riva – Italiaanse kunst van ELisa Manzoni (criticoarte.org)), of zijn werken rechtstreeks in de galerie kunnen komen bekijken door een afspraak te maken en een e-mail te sturen naar elisavosmanzoni@gmail.com.

Vraag aan de kustenaar: Giuliano Giuggioli

Ik volg en bestudeer de artistieke poëtica van Meester Giuliano Giuggioli al vele jaren. Ik herinner me nog goed met hoeveel bewondering ik zijn doeken voor het eerst zag op een kunstbeurs die ik bezocht toen ik nog maar een student kunstgeschiedenis was: het was een echte donderslag bij heldere hemel, een artistieke slag. De expressieve finesse van de kunst van de Toscaanse meester bereikt zelfs het meest onoplettende publiek dankzij de intelligente en goed bestudeerde surrealistische en metafysische spelletjes die op het doek worden opgevoerd. Het is dan ook een bron van grote trots hem in Nederland te mogen vertegenwoordigen met het project Hedendaagse Italiaanse Kunst in Nederland.

Maestro Giuliano Giuggioli, geboren in Vetulonia en nu woonachtig in Follonica, in de provincie Grosseto in Toscane, heeft sinds zijn kindertijd blijk gegeven van zijn artistieke talent en dankzij een gevarieerde opleiding varieert zijn produktie van grote olieverfschilderijen tot sanguine, van technieken op papier en hout tot fresco’s en muurschilderingen, via keramiek, etsen, zeefdrukken, litho’s en beeldhouwwerken. Sinds zijn debuut in 1972 is Meester Giuliano Giuggioli aanwezig en actief op de Italiaanse en internationale kunstscène en zijn werken bevinden zich in talrijke openbare en privécollecties in Italië, Amerika, China, Zwitserland en Portugal; bovendien worden zijn doeken permanent tentoongesteld in de galerie die hij sinds vele jaren in Follonica heeft, in de Galerie Zabbeni van Vevey in Zwitserland, in de Dennis Rae Fine Art van San Francisco, en vanaf 2020 in de Manzoni Kunst Galerie van Oosterwolde in Nederland.

Maar laten we nu naar de kern van het interview gaan om dieper te begrijpen wat de Maestro ervan vindt:

Als eerste vraag zou ik u willen stellen: Wat is ART voor Giuliano Giuggioli? Ik weet dat het een simpele en complexe vraag is, dus neem gerust de tijd om te antwoorden…

Ik kan u heel eenvoudig antwoorden: “KUNST IS MIJN LEVEN”. Ik leef van kunst en voor kunst. Ik droom, denk, studeer, raak opgewonden en produceer kunst. Het is een totaliserend iets.

U bent een kunstenaar die leeft van zijn kunst, een zeer gecultiveerd kunstenaar, bedachtzaam maar ook speels: hoe komt het dat u de weg van het surrealisme bent ingeslagen? Welk doel heeft je schilderij? Ik denk dat u diepe boodschappen wilt brengen, maar denkt u dat het publiek, in een wereld waar oppervlakkigheid de overhand neemt, de cryptische en verborgen “spelletjes” in uw kunstwerken kan ontcijferen? Leg uit.

Ik ben net als kinderen die heel serieus en betrokken zijn als ze spelen en net als kinderen probeer ik al spelend te leren. Ik gebruik “ironie”, wat mij intrigeert omdat het onder metaforen, vaak schertsend, zeer ernstige begrippen doet passeren. Ik ben veel minder geïnteresseerd in “provocatie” als een doel op zich. Surrealisme leent zich voor mijn verhalen die vaak grenzen aan het metafysische. Ik pretendeer niet begrepen te worden, ik stel mij tevreden met het opwekken van twijfels en mysteries in de hoop dat deze de waarnemer zullen aanzetten tot het maken van zijn eigen overwegingen. Als dat gebeurt ben ik blij.

Wanneer men uw kunstcatalogi uit het verleden bekijkt en dus de werken die nu “gedateerd” zijn observeert, kan men zien hoe actueel en eigentijds ze nog steeds zijn (het is dankzij deze eigenschap dat u naast de grote meesters deel zult gaan uitmaken van de kunstgeschiedenis). Hoe kun je de toekomst voorspellen?

Ik pretendeer “tijdloze” werken te maken (daarom ren ik vaak achter Myth aan) die mij in staat stellen een soort “circulaire tijd” te vertellen waarin alle dingen die gebeurd zijn cyclisch gebeuren. Verleden – heden – toekomst, worden een enkel ding, makkelijk te voorspellen.

Hoe ervaart u deze historische periode als gevolg van de pandemie? Heeft kunst u een manier gegeven om te ontsnappen aan de beperkingen die u in 2020 ondervond? Zijn er toekomstige projecten of schildercycli waar je aan werkt?

Ik probeer de pandemie zo goed mogelijk te doorstaan. Het heeft veel van ons gevergd, maar het heeft ons ook meer tijd gegeven om na te denken, het heeft ons gedwongen te vertragen en onszelf in vraag te stellen. Ik gebruik deze tijd om me te concentreren met minder afleiding en werk te produceren zonder haast en… zonder Tijd.

Dit is een vraag die ik kunstenaars graag stel, omdat ik als kunsthistoricus bijzonder verbonden ben met de geschiedenis: als je de kans had om te reïncarneren als een kunstenaar uit het verleden, welke zou je dan kiezen en waarom?

Deze vraag is moeilijk te beantwoorden! Ik ben een kunst-omnivoor en voed mij met de werken van zoveel kunstenaars uit het verleden! Kies er een… is een onderneming! Maar ik wil niet aarzelen om een antwoord te geven en dan… kies ik Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Naast het feit dat zijn prachtige schildertechniek mij fascineerde, heb ik altijd mijn geweten geschud over zijn vastberadenheid in het experimentele onderzoek van het opstellen van kleuren en synthese, waarbij ik hem betaalde met de minachting van de publieke opinie die de evolutie van zijn werken van rijpheid niet begreep. Rijk en beroemd als jonge man en arm en vergeten als oude man door zijn tijdgenoten. Er is veel moed voor nodig om af te zien van rijkdom en eer om tot het uiterste te gaan met het picturale onderzoek alleen maar om hun expressieve behoeften te bevredigen. Zijn meesterwerken zijn groot omdat Rembrandt de man groot is.

Ik dank meester Giuliano Giuggioli voor de tijd die hij voor ons vrijmaakt. Ik herinner u eraan dat zijn werken te zien zijn op de website criticoarte.org (Giuliano Giuggioli – Italiaanse kunst van ELisa Manzoni (criticoarte.org) ) en dat u ze persoonlijk kunt zien in de Manzoni Kunst Galerie in Nederland, na reservering in verband met Covid-19 beperkingen. Voor het maken van een afspraak kunt u schrijven naar: elisavosmanzoni@gmail.com

Vraag aan de kunstenaar: Giulio Pettinato

Voor de rubriek “Vraag aan de kunstenaar” hebben we vandaag de gelegenheid om te praten met de meester Giulio Pettinato, geboren in Calabrië maar nu permanent overgeplaatst naar Castel Gandolfo in Rome. Als scenograaf, schilder, ontwerper en grafisch ontwerper gebruikt de kunstenaar verschillende kunstvormen zoals installaties, schilder- en beeldhouwkunst, waarbij hij de meest ongelijksoortige materialen zoals stof, plastic, piepschuim, zand, hout, marmer en LED-lampen gebruikt om licht en kleur nieuw leven in te blazen. Zijn kunstwerken zijn eclectisch, ze onderzoeken de natuur op 360°, en creëren een moderne scenografische visie op de werkelijkheid: dankzij het voortdurende expressieve onderzoek, vrij van academische canons, is Giulio Pettinato nu zowel in Italië als in het buitenland bekend met zijn maritieme sculpturale schilderijen en LightArt werken.
Naast de zestig persoonlijke tentoonstellingen is het interessant te wijzen op de aanwezigheid van Giulio Pettinato in drie edities van het Festival dei due Mondi in Spoleto en op het Fringe Festival in Edinburgh, waar zijn werken de scenografie vormden van Connessioni Mediterranee, een werk van de Griekse componist Niko Filathos, uitgevoerd door het Microcosmos Ensemble. De kunstenaar heeft ook de decors ontworpen voor I cantori di Brema van Gaetano Panariello in het Teatro Rendano in Cosenza en voor La luce del mondo van Mauro Piacenza, een werk dat door de Fondazione per i beni e le attività artistiche della Chiesa in Vaticano is vervaardigd. Tenslotte heeft hij zich jarenlang gewijd aan de scenografie van de Geboorte-scène in de Crypte van de Pauselijke Kerk van San Tommaso da Villanova in Castel Gandolfo.

We gaan nu over tot de inhoud van het interview:

Uw artistieke productie is gevarieerd en varieert van LightArt tot mixed media-schilderijen met de zee als onderwerp: waarom deze verschillende artistieke keuzes en vooral, heeft u een kunstvorm die uw voorkeur heeft? Waar haal je inspiratie uit? Is er een kunstenaar uit het verleden die u meer in overeenstemming vindt met uw stijlonderzoek?

Lichtkunst is een vorm van beeldende kunst waarbij het medium van uitdrukking, het doel van het werk, licht is. De inspiratie komt van mijn ervaring als decorontwerper, die ik in dit genre goed kan gebruiken door te blijven creëren met verschillende materialen, die elkaar overlappen waardoor de gewenste driedimensionaliteit ontstaat. De zee is de spiegel van mijn ziel, de plaats waar ik geboren ben; ik bewaar nog steeds mentaal de kleuren, de bron van mijn inspiratie. Om terug te komen op uw oorspronkelijke vraag: mijn keuzes zijn slechts “schijnbaar” verschillend, in werkelijkheid zijn ze altijd verbonden door een rode draad: het decorontwerp.

Wanneer, hoe en waarom is jullie Lichtkunst ontstaan? Leg ons uit hoe uw werken tot stand komen, waarbij licht het middel is om uw installaties te beeldhouwen die, voor het grootste deel, vrouwelijke silhouetten als onderwerp hebben.

Light Art is in 2014 ontstaan uit de behoefte om mijn scenografisch onderzoek te verfijnen, uit te breiden. Deze werken, zoals Bonsoir madame en Nude radici, zijn mijn authentieke creaties, het zijn de werken waarin ik het licht bestudeer via de schoonheid van het vrouwelijk lichaam. Het licht is het middel om te genieten van een elegant schilderij, in harmonie met de driedimensionaliteit van het vrouwenlichaam. ((4) LIGHT ART | Facebook)

Wat de werken in gemengde techniek betreft die op een informeel materiaal lijken: welke materialen gebruikt u het liefst om de zee na te bootsen, en waarom? Hoe geef je tact aan je werken? Welke sensaties geven deze materialen u en wat stelt u zich voor dat de toeschouwer zal voelen wanneer hij de kans krijgt uw werken te bestuderen?

Ik gebruik bijna altijd bij voorkeur natuurlijke materialen en heb altijd een zakje zand uit zee bij me, dat ik vakkundig op mijn doeken probeer over te brengen. Ik stel me vaak voor dat de toeschouwer alles waarneemt wat ik via mijn werken uitzend.

Naast Artistiek Directeur van het Kunstcentrum van Castel Gandolfo in Rome, richtte u in april de Oltremare International Group op, een internationale kunstgroep die alle kunsten omvat: vertel ons over uw idee, uw doelen en toekomstige projecten.

Het Castel Gandolfo Art Centre is in april 2013 ontstaan uit het idee om de kunsten in één omgeving onder te brengen, waar ideeën kunnen worden uitgewisseld. De Club Bluoltremare daarentegen is ontstaan op een bijzonder moment in onze geschiedenis. Omdat wij ons plotseling en gedwongen gesloten voelden, hebben wij ons opengesteld voor andere soorten realiteit, waardoor ons “merk” een internationale dimensie kreeg. Vandaag de dag kan Club Bluoltremare bogen op prestigieuze samenwerkingen met artiesten van over de hele wereld. (Als u geïnteresseerd bent om lid te worden van de Club Bluoltremare hier is de link: (4) club BLUOLTREMARE | Facebook ; terwijl als je het Art Center Castel Gandolfo wilde volgen: (5) Centro ARTE | Facebook )

Wat heeft dit laatste verschrikkelijke jaar voor u en uw kunst betekend, waarin alle zekerheden van perspectief en visie zijn veranderd?

2020 is echt een verschrikkelijk jaar geweest. Het heeft onze tentoonstellingen, onze contacten, onze energie weggevaagd… maar ik ben ervan overtuigd dat het nog steeds de moeite waard is om iets positiefs voor de kunst te proberen. Ondanks alles, althans in mijn ervaring, wanneer je gedwongen bent je contacten te beperken, wanneer alles lijkt te stagneren en depressie om de hoek ligt, komt er altijd iets creatiefs naar boven, met zijn vitale kracht.

In dit zeer delicate historische moment vol onzekerheden zou ik de aandacht willen vestigen op het briljante idee van Giulio Pettinato die, omdat hij de internationale collectieve tentoonstelling Pigmenti (15-22 december 2020 in Sala Nagasawa in het Appia Antica park in Rome) niet kon inwijden vanwege de beperkingen die waren ingesteld om de Covid-19 in bedwang te houden, heeft besloten om deze tentoonstelling toch in een micro-versie in de kleinste galerie ter wereld (150×45 cm.) te houden. Sinds januari 2021 worden in de microgalerie verschillende solotentoonstellingen gehouden van kunstenaars uit de hele wereld: voor meer informatie en om deel te nemen aan de evenementen in de microgalerie schrijf me op elisavosmanzoni@gmail.com , artecastelgandolfo@libero.it.

Giulio Pettinato dankend voor de kostbare tijd die hij aan ons heeft gewijd, herinner ik eraan dat zijn werken in Nederland te koop zijn en dat u ze op de website kunt zien: Giulio Pettinato – Italian art by ELisa Manzoni (criticoarte.org)

Vraag aan de kunstenaar: Gianluca Cremonesi

Zoals een oud Italiaans gezegde luidt: “De tijd vliegt”, en eigenlijk zijn we al aan de vierde afspraak van de kolom “Vraag aan de kunstenaar” toegekomen. Vandaag hebben we het genoegen om als gast Gianluca Cremonesi te hebben, een jonge kunstenaar uit Ripalta Cremasca (een klein stadje in de buurt van Milaan), die ik ongeveer drie jaar geleden bijna toevallig ontmoette in Treviglio (in de provincie Bergamo): zijn werken trekken onmiddellijk, zelfs de meest verwarde toeschouwer, dankzij de diepe emotionele artistieke waarde en de grote en precieze techniek van de uitvoering van de olieverf. Het is niet verwonderlijk dat Gianluca Cremonesi’s kunst al aanwezig is in privécollecties in Italië, de Verenigde Staten, Japan, Canada, Finland, Engeland, Ierland, Australië, Hong Kong en Zuid-Afrika, en nu wil hij zich ook in Nederland bekendmaken: juist daarom heeft hij zich vanaf het begin met veel enthousiasme aanvaard om deel uit te maken van het project Contemporary Italian Art in Nederland. De schilder uit Lombardije is altijd al geïnteresseerd geweest in de wereld van de kunst en na verschillende artistieke experimenten en dankzij zijn passie voor de natuur heeft de olieverfschilderij zeker zijn hart veroverd: in deze laatste periode is het favoriete onderwerp van Gianluca Cremonesi de zee, een zee in voortdurende evolutie en symbool van het oneindige en het onbekende, die tegenstrijdige emoties en sensaties oproept en die de geest van de kunstenaar laat zien.

Laten we nu verder gaan met de vragen om Gianluca Cremonesi beter te leren kennen:

Wat denkt Gianluca Cremonesi, de kunstenaar, terwijl hij schildert? In wat voor wereld bevindt hij zich als hij het penseel oppakt en de kleuren op het palet mengt?

Ik moet zeggen dat het antwoord deels vervat zit in de vraag: je vraagt me in wat voor wereld ik me bevind terwijl ik schilder, nou dit is het geheim, terwijl ik schilder leef ik in een eigen wereld, een serene, vredige wereld, waar alleen ik met mijn kleuren en een doek waarop ik mijn emoties kan vertellen, soms kan ik me zo in het doek onderdompelen dat ik niet eens merk wat er om me heen gebeurt, alsof een meter van de ezel de wereld wazig wordt.

U bent de schilder van WATER en uw zeeën zijn allemaal verschillend: waarom koos u dit onderwerp, dat zo moeilijk uit te voeren is, voor uw artistieke productie?

Ik denk dat het uiteindelijk de zee was die mij koos! Ik ben al sinds mijn jeugd gepassioneerd door kunst en heb veel technieken en kunstuitingen uitgeprobeerd, ik heb veel verschillende onderwerpen geschilderd; Met de volwassenheid realiseerde ik me dat de olie mijn ware passie was en het medium dat het beste bij mijn manier van schilderen paste, na enkele jaren waarin ik vooral onderwerpen schilderde die geïnspireerd waren door Japan en zijn tradities, vond ik op een dag tijdens het schilderen van een uitzicht op Okinawa (een van de vele eilanden van Japan) dat ik de golven schilderde en dat er iets in me klikte, een soort bliksemschicht, alsof het schilderen van de golven natuurlijk was en me goede gevoelens gaf. …vanaf dat moment ben ik nooit meer gestopt! Uiteraard is er aan de basis een diepe liefde voor de natuur, voor de zee in het bijzonder, die voor mij een metafoor is voor het leven: de golven van de zee zijn vergelijkbaar met het leven van een man, ze worden geboren, groeien, bereiken hun hoogtepunt en rollen dan onvermijdelijk naar de laatste handeling die het strand omarmt, waardoor er ruimte is voor de volgende golf; wij mensen zijn een beetje zoals dat, we moeten ons “ras” op de beste manier leven!

De zee zou ook tot uitdrukking kunnen komen in andere kunstvormen, zoals de beeldhouwkunst, en in andere stijlen, zoals het abstracte: wat heeft de figuratieve olieverfschilderkunst boven andere kunstvormen?

Ik hou van alle vormen van kunst en artistieke expressie, maar ik vind dat het olieverfschilderij voor mij een streepje voor heeft. Vanuit een strikt technisch oogpunt kan ik zeggen dat olieverf een bepaalde schittering en helderheid heeft, wetende de mate van dekking van de kleuren kun je sluiers, dat wil zeggen lagen van kleur meer of minder transparant, om diepte en schittering te garanderen en de onderwerpen levendig en realistisch te maken. In de loop der jaren heb ik een zeer persoonlijke schildertechniek ontwikkeld, waarvan de basis teruggaat tot de techniek die in de vijftiende eeuw door de Vlamingen werd ontwikkeld, die in feite de eerste waren om door middel van opeenvolgende kleurlagen verder te gaan. Vanuit een emotioneel oogpunt kan ik u vertellen dat de keuze van het realisme in wezen te wijten is aan een persoonlijke smaak, ik vind dat het picturale realisme mij directe emoties overbrengt, eenvoudig, er is geen behoefte aan vreemde lucubraties of interpretaties. De onderwerpen zijn eenvoudig, misschien zal iemand zeggen banaal, maar ze geven onmiddellijke en diepe gevoelens.

Laten we het over de toekomst hebben. U heeft al werken van klein formaat en zelfs bladwijzers gemaakt om plaats te maken voor het altijd dragen van uw werken: voor 2021 plant u in plaats daarvan een koerswijziging misschien met de creatie van werken van zeer groot formaat of een echte merchandising?

Ik zou zeggen allebei! Ik ben bezig met de voorbereiding van een serie vrij grote, dikke doeken van 70 x 140 cm. die mij in staat stellen om onderwerpen met een sterke impact te creëren; het idee is om een aantal ervan voor te bereiden in afwachting van mijn volgende solotentoonstelling die ik aan het einde van deze specifieke periode zal definiëren. Tegelijkertijd wil ik doorgaan met het maken van miniatuurwerken op kleine doeken of kleine borden, maar ook werken op papier en boekenleggers; het doel is om originele handgeschilderde werken te hebben met dezelfde vaardigheid als de grote werken, maar goedkoop en betaalbaar voor iedereen, zodat iedereen een kleine zee mee kan nemen of op het bureau in het kantoor kan zetten om de dagen te kleuren.

Laatste vraag en misschien wel de meest intieme. Waarom ben je een kunstenaar en in het bijzonder een schilder? Hoe belangrijk is kunst in je leven geweest en vooral in 2020, een catastrofaal jaar voor de hele wereld vanwege Covid-19?

Dit is misschien wel de moeilijkste vraag om te beantwoorden…. Ik denk dat het iets aangeboren is, diep geworteld in mij. Zoals ik al eerder zei, kunst heeft me altijd aangetrokken, zodra ik een potlood in mijn hand had begon ik te tekenen en te rommelen, ik genoot van het reproduceren van de covers van rockplaten die me in mijn puberteit vergezelden, of het portretteren van de helden van films of stripverhalen. In principe is het voor mij altijd een behoefte geweest, een uitlaatklep, een manier om mijzelf uit te drukken en het is nog steeds, misschien op een meer volwassen en bedachtzame manier, maar de geest is altijd hetzelfde en ik zal nooit het verlangen verliezen om te evolueren en te leren, nieuwsgierigheid is de basis van mijn passie. De kunst heeft me vele malen gered van trieste en moeilijke momenten, vooral in 2020, toen de lockdown en de pandemie ons heeft getroffen en beperkt, heeft de kunst me in staat gesteld om met mijn verbeelding te “reizen” en alle twijfels en angsten in verband met deze vreselijke situatie te ventileren. Dankzij mensen zoals jij is de kunst niet gestopt en zal niet stoppen! Goede kunst voor iedereen!

Ik wil Gianluca Cremonesi bedanken voor zijn vriendelijke beschikbaarheid voor zijn interventie die het mogelijk maakte zijn artistieke poëzie bekend te maken en bovenal wil ik hem bedanken voor het vertrouwen en de steun die hij geeft aan het project Italiaanse Hedendaagse Kunst in Nederland. Ik nodig u uit om een kijkje te nemen op de pagina gewijd aan hem op de website criticoarte.org waar u de werken kunt vinden die aanwezig zijn op het Nederlandse grondgebied: Gianluca Cremonesi – Italian art by ELisa Manzoni (criticoarte.org)

Vraag aan de kunstenaar: Gianluca Somaschi

Ten eerste: Gelukkig Nieuwjaar! … moge het jaar 2021 goed nieuws brengen en gelukkigere en minder angstaanjagende momenten dan die veroorzaakt door de Covid-19-wereldcrisis in 2020!

We openen het nieuwe jaar met een interview met de jonge Milanese kunstenaar Gianluca Somaschi, een oude vriendin (bijna een decennium), en zijn werken met een expressionistische en boeiende artistieke taal ontwikkeld tijdens zijn academische jaren bij Brera en tijdens zijn professionele leven in de bioscoop, het theater en de televisie. Zijn doeken zijn een theatrale achtergrond, rijk aan materie, voor stadslandschappen en gezichten van het dagelijks leven: de werkelijkheid wordt getransfigureerd en de energie van de persoonlijkheid van de schilder bereikt het publiek zonder remmingen. Gianluca Somaschi creëert een kunst die doordrongen is van oprechtheid, een kunst vol conflicten tussen vrede en rusteloosheid, een uiterst hedendaagse kunst die met ironische oneerbiedigheid de hedendaagse beschaving in al haar facetten onderzoekt. Met het project “Hedendaagse Italiaanse Kunst in Nederland” wil de kunstenaar zijn artistieke visie en zijn poëzie buiten zijn kring van Italiaanse verzamelaars exporteren, om zo de woordvoerder van de Milanese culturele antropologie in het buitenland te worden.

Maar laten we eindelijk tot de kern van het interview komen:

Ik had het genoegen u vele jaren geleden te ontmoeten en toen maakte u grote informele en abstracte doeken. Hoewel je het abstracte niet definitief hebt opgegeven, ben je nu meer gericht op het figuratieve. Hoe, wanneer en waarom heb je besloten om de koers naar een expressionistische figuratieve stijl om te keren?

De grote doeken zijn nooit opgehouden in mij te zitten. In deze laatste periode ben ik teruggegaan naar het abstracte pad op grote doeken 150×150 en meer. De richting die ik was ingeslagen in de richting van figuratief/burger, was een verlangen naar verandering gedicteerd door het feit dat ik kleine doeken had (100×80, 50×70) die me geen manier zouden geven om kleur te gooien zoals ik dat wilde, zonder grenzen, omdat alleen ik op grote oppervlakken kan komen. Maar ik blijf zowel abstract als figuratief doen volgens de stemmingen.

Als je naar je werk kijkt, heb je het gevoel dat je een verhalend pad hebt, vind je ook niet? Denk je dat je door het combineren van al je doeken met stedelijke thema’s een verhaallijn van een hedendaagse Zondestad kunt creëren?

In feite kun je een pad van realisatie, in de zin dat de eerste werken “stad” waren meer vlekken van kleur die deed denken aan straten en gebouwen en schilderen na het schilderen, de straten en gebouwen, nam meer en meer vorm en definitie bijna maniakaal, op zoek naar detail en detail.

Waar haal je inspiratie uit, zowel voor abstracte als voor figuratieve werken? En hoe gaat u te werk tijdens uw creatieve proces?

Ik haal inspiratie uit alles om me heen en op het moment dat ik ga schilderen, word ik overweldigd door de gebeurtenissen. Het moment van creativiteit is als het moment van seks. Passie, zweet, geur, verlangen, allemaal geïmproviseerd en genoten, zonder regels, geïnspireerd door de snelle streken, de kleur, de druppels verf tot aan de voltooiing, als in een overweldigend orgasme.

“Leg jezelf bloot”: waar denk je aan als je voor het lege doek staat?

Soms weet ik precies wat ik wil doen, soms niet. Soms daagt het blanco doek me uit tot wie er wint. Soms komt alles naar mij toe met grote snelheid, vastberadenheid en natuurlijkheid. Soms zuig ik aan het eindresultaat, maar maak ik er gebruik van om dat gebottelde doek opnieuw te gebruiken als basis voor een nieuwe start. Ik schilder alsof ik seks heb. Ik word overweldigd en stop niet tot ik uitgeput ben.

Wat voorziet u voor de nabije toekomst? Hoe ziet Gianluca Somaschi, de kunstenaar, zichzelf na 2020, zo’n rampzalig jaar, in relatie tot kunst en het kunstcircuit?

2020 was een kans voor nieuwe creativiteit. Ik heb de kans gehad om mezelf meer te isoleren en meer te denken… wat naar voren is gekomen is de woede en het bewustzijn van de kleur op het doek, om de harmonie in de ruimtes te herstellen. In 2021 ga ik met mijn passie op pad, om het bekend te maken en om mensen te laten weten wie ik ben….

Ik dank Gianluca Somaschi echt voor zijn medewerking en voor de tijd die hij aan ons heeft besteed. Voor een visie op de werken die hier in Nederland worden tentoongesteld, nodig ik u uit om de pagina gewijd aan de Milanese kunstenaar te lezen: Gianluca Somaschi – Italian art by ELisa Manzoni (criticoarte.org)

Merry Christmas and Happy 2021

Merry Christmas and a Happy New Year!
The entire team of Arte Italiana Contemporanea in the Netherlands would like to wish you and your families a happy Christmas and a Happy New Year that will sweep away this terrible 2020 that has caused serious and severe damage to health and the world economy. May it be a 2021 that lifts the critical situation experienced in all sectors!
“If you persist and resist, you will achieve and conquer.” (Trilussa 1871-1950)

A warm greeting from the whole Contemporary Italian Art Team in Netherlands (Elisa Manzoni, Susanna Maccari, Gianluca Cremonesi, Giuliano Giuggioli, Gianluca Somaschi, Elisabetta Maistrello, Gianni Depaoli, Fabrizio Spadini, Giulio Pettinato, Leonardo Vecchiarino, Giorgio Riva, Claudio Caporaso, Ivo Mora)

Vrolijk kerstfeest en een gelukkig nieuwjaar!
Het hele team van Arte Italiana Contemporanea in Nederland wenst u en uw familie een vrolijk kerstfeest en een gelukkig nieuwjaar dat dit verschrikkelijke 2020, dat ernstige en ernstige schade aan de gezondheid en de wereldeconomie heeft veroorzaakt, wegveegt. Moge het een 2021 zijn die de kritieke situatie op alle gebieden zal opheffen!
“Als je aandringt en je verzet, zul je bereiken en overwinnen.” (Trilussa 1871-1950)

Een hartelijke groet van het hele Team Italiaanse Hedendaagse Kunst in Nederland (Elisa Manzoni, Susanna Maccari, Gianluca Cremonesi, Giuliano Giuggioli, Gianluca Somaschi, Elisabetta Maistrello, Gianni Depaoli, Fabrizio Spadini, Giulio Pettinato, Leonardo Vecchiarino, Giorgio Riva, Claudio Caporaso, Ivo Mora)

Buon Natale e buon anno nuovo!
Tutto il team di Arte Italiana Contemporanea in Olanda augura di cuore delle serene feste natalizie a voi e alle vostre famiglie e un buon nuovo anno che spazzi via questo terribile 2020 che ha causato seri e gravi danni alla salute e all’economia mondiale. Che sia un 2021 che risollevi la situazione critica vissuta in tutti i settori!
“Se insisti e resisti, raggiungi e conquisti.” (Trilussa 1871-1950)

Un caloroso saluto da tutto il Team Arte Italiana Contemporanea in Olanda (Elisa Manzoni, Susanna Maccari, Gianluca Cremonesi, Giuliano Giuggioli, Gianluca Somaschi, Elisabetta Maistrello, Gianni Depaoli, Fabrizio Spadini, Giulio Pettinato, Leonardo Vecchiarino, Giorgio Riva, Claudio Caporaso, Ivo Mora)

Vraag aan de kunstenaar: Leonardo Vecchiarino

Na vijftien dagen vanaf de opening van de kolom “Vraag aan de kunstenaar” die de kunstenaars van het project “Arte Italiana Contemporanea in Olanda” aan het publiek wil presenteren, volgt hier het tweede interview met Leonardo Vecchiarino die, in de nabijheid van de Heilige Kerstmis, zijn coloristisch en emotioneel onderzoek naar de menselijke geest laat zien.
Eclectisch, attent en rusteloos kunstenaar, geeft hij altijd nieuw leven aan zijn kunst dankzij een set van herinneringen en materialiteit die, met eenvoud en communicatieve kracht, ontrafelt tussen realiteit en verbeelding. Een vooruitgang tussen concreetheid en uiterlijk, tussen uitvinding en representatie in een ontluisterende context die de essentie is van het dagelijks leven van de mens.
Leonardo Vecchiarino heeft een lange tentoonstellingservaring zowel in Italië als in het buitenland en, tot op de dag van vandaag, worden verschillende van zijn werken tentoongesteld in het Market Center in Dallas, het Jacob Javit Center in New York, het National Museum in Boedapest, de Italiensk Kulturell Forening Interart Vasteras in Hallstahmmar, Zweden, de Deposit Guaranty Salon International in Jackson, Mississippi, de Foyer International in Parijs, het Stockholm Exhibition Centre en het Trade Center/Harumi in Tokio.

Een kunstenaar dus al een internationale kunstenaar aan wie ik het genoegen had vragen te stellen:

VERTEL ONS OVER DE VROUWEN DIE JE VERTEGENWOORDIGT IN JE WERK, HEDENDAAGSE NIMFEN MET EEN PRE-RAPHAELITE SMAAK…
Ik ben gefascineerd door het vrouwelijke universum en wat het vertegenwoordigt in de menselijke samenleving. Het leven en de bronnen van het leven, de ambassadeurs van de liefde en de esthetische referentie van de tijd die leeft. De vrouwen in mijn werken zijn moderne, mooie en fascinerende nimfen, soms brutaal en soms meer verzameld, die echter alle verlegenheid hebben verloren en het leven van de 21e eeuw en de ritmes van deze krampachtige en consumptieve samenleving bijna volledig onpersoonlijk leven. Het kan zelfs zo zijn dat de voorstelling van “mijn vrouwen” een volledig onbewuste, prerafaëlitische wortel heeft die zowel door de keuze van jonge, sensuele, verleidelijke en delicate vrouwenfiguren als door de keuze van bleke kleuren, rood en golvend haar en hemelse ogen als de hemel en de zee wordt vertegenwoordigd. Elke vrouw in mijn werk is een lofzang op de schoonheid van het menselijk bestaan, een emotie die ik probeer te stoppen op het doek en die ik probeer over te brengen aan degenen die mijn kunst ontmoeten.

COLLAGE EN OLIE: WAT IS HET RESULTAAT VAN DE KEUZE VOOR EEN GEMENGDE TECHNIEK?
De keuze voor de gemengde techniek kwam voort uit het idee om de schilderkunst en de reclamekunst samen te brengen in een contaminatie van verschillende talen die een nieuwe taalkundige code oplevert in dit tijdperk van voortdurende en nieuwe visuele stimulaties.

VOOR DE COLLAGE GEBRUIK JE MUURPOSTERS, TIJDSCHRIFTEN EN KRANTENRECLAMEPAGINA’S, MAAR WAAR BEN JE DOOR GEÏNSPIREERD? WAT DRIJFT U OM EEN ADVERTENTIE TE KIEZEN OF TE VERWIJDEREN?
Ik gebruik collage om “fragmenten” van het hedendaagse dagelijkse leven te tekenen. Delen van muurposters, flyers en advertentiepagina’s van tijdschriften, foto’s van het krantennieuws en al het andere dat, gereproduceerd op papier, het dagelijkse leven van iedereen visueel vult. De werken nemen zo het huidige existentiële niveau aan, herkenbaar en bruikbaar voor de kijker van vandaag, en worden een voertuig om de hedendaagse manier van leven door te geven aan toekomstige generaties. De samenstelling van de collage en dus de keuze van de te gebruiken papierknipsels en beelden hangt af van de mogelijke boodschap, soms expliciet en soms allegorisch, die het werk brengt, maar ook van de visuele en coloristische balans van de beeldcompositie.

WELKE ROL SPEELT KUNST IN JE LEVEN EN WERK?

Kunst is niet mijn werk, ook al wou ik dat het dat wel was. Het is niet mijn bron van inkomsten voor de kost, maar het is sowieso een belangrijk deel van mijn leven. Kunst is voor mij een essentiële afleiding naar het dagelijks leven en de moeilijkheden die men in het leven tegenkomt. In de meest uitdagende momenten van mijn leven heb ik via de kunst altijd gezocht naar verlichting van emotionele spanningen om verder te kijken dan het obstakel. Een quasi-medicijn die genomen moet worden als het nodig is om momenten uit de tijd te halen en om te beseffen dat ik leef en geloof in de schoonheid van mijn dromen om mijn bestaan ten volle te kunnen blijven leven.

HEEFT U AL PLANNEN VOOR 2021, OOK AL IS HET VANWEGE COVID-19 EEN PERIODE VAN EXTREME ONZEKERHEID?
De lange pauze die de Covid-noodtoestand oplegt, voegt nieuwe en andere bewustwording en perspectieven toe, zowel op persoonlijk als op artistiek vlak. De persoonlijke projecten in de pijplijn hebben noodzakelijkerwijs een pauze ingelast vanwege de pandemie, maar de verandering van de plannen heeft geleid tot andere zoals degene die is voorgesteld door een grote professionele en exquise persoon die Elisa Manzoni. Ik heb vertrouwen in de toekomst en hoop dat het leven weer wordt zoals het was, inderdaad een beter leven.

Ik dank Leonardo Vecchiarino voor zijn interventie die het mogelijk heeft gemaakt om zijn poëzie bekend te maken. Ik nodig u uit om een kijkje te nemen op de pagina gewijd aan hem op de website criticarte.org waar u de werken op Nederlands grondgebied kunt vinden: Leonardo Vecchiarino – Italian art by ELisa Manzoni (criticoarte.org)

Met de hoop om te doen wat aangenaam is, wens ik oprecht HEILIGE GOEDE FEAST aan iedereen! VROLIJK KERSTFEEST EN GELUKKIG 2021!

Vraag aan de kunstenaar: Susanna Maccari

Het is een genoegen om als eerste kunstenaar die zich bij het project “Hedendaagse Italiaanse Kunst in Nederland” aansloot de Milanese schilderes Susanna Maccari te presenteren die, ondanks haar afstuderen in Moderne Vreemde Talen en Literatuur, de weg van de kunst is ingeslagen. Na verschillende ateliers van illustere kunstmeesters te hebben bezocht, werd Susanna Maccari bekend door haar olie- en aquarellenschilderkunst waarin de zoektocht naar kleur en licht romantische en impressionistische tinten heeft. De Italiaanse kunstenares heeft haar werk tentoongesteld in talrijke solo- en groepstentoonstellingen in heel Italië (Milaan, Napels, Venetië, Bologna, Assisi, Sirmione, Portovenere, Turijn, Lodi, Tirano, Cesenatico, Novara, Vieste, Santa Margherita Ligure, Udine, Arona, Pietra Ligure) in Frankrijk (Nice, Cannes, Mandelieu La Napoule) en in het Vorstendom Monaco (Montecarlo), waarbij ze talrijke prijzen en onderscheidingen heeft ontvangen. Zijn grootste verzamelaars zijn te vinden in Italië, Frankrijk, Zwitserland en Duitsland, en sinds 2012 staan zijn schilderijen op het podium van het Milanese theatergezelschap Cà Nostra. Tot slot is Susanna Maccari lid van internationale en nationale culturele verenigingen zoals de Associazione Culturale Milano Arte, de Accademia Gentilizia il Marzocco in Florence en de Accademia internazionale Greci-Marino.

Maar laten we het nu over de echte vragen hebben.

Wat inspireert de kunstenares Susanna Maccari in haar artistieke productie en wat is het thema dat haar het meest dierbaar is?
Mijn muze is de natuur in haar totaliteit en complexiteit. Zoals Seneca zegt: “Alle kunst is een imitatie van de natuur”. Er is de kunstenaar die het getrouw reproduceert, de kunstenaar die het schildert volgens zijn eigen persoonlijke interpretatie en de kunstenaar die het transformeert en synthetiseert vanuit zijn eigen innerlijke wereld. Ik probeer in de omgeving alles wat me opwindt vast te leggen en op een persoonlijke manier te reproduceren op het doek. In de natuur zie ik licht, duisternis, liefde, geweld, vrede, lijden. Ik vind empathie tussen mens en natuur, maar waar dat ontbreekt, vernietigt de mens de natuur en de natuur de mens. In de seizoenen grijp ik de onverbiddelijke cyclus van het leven aan, evenals in de zonsopgang en -ondergang. Bomen zijn mij zeer dierbaar: ze zijn het symbool van kracht, van doorzettingsvermogen, van onmogelijke uitdagingen. De zee en de boten zijn twee andere thema’s die vaak terugkomen in mijn schilderijen. De zee is een symbool van het leven, van de wedergeboorte, maar ook van gewelddadige stormen die op ons bestaan neerstorten. Een sterke boot kan ons helpen onze onzekerheden en moeilijkheden te overwinnen.

Kunt u ons wat geheimen vertellen over uw executietechniek?
Ik zou zeggen dat er geen specifiek geheim is over mijn executietechniek. Wat betreft de olieverfschilderijen kies ik een onderwerp, de studie in de diepte en probeer me voor te stellen dat het op doek is afgewerkt. Ik ga altijd uit van een eerste veld om beter te definiëren wat ik heb besloten te schilderen, daarna ga ik verder met de volgende ontwerpen. Ik hou van de beslissende kleuren en de materiële uitvoering verkregen met behulp van een spatel. Voor waterverf kun je in de meeste gevallen niet voorspellen hoe het eindresultaat zal zijn, omdat het water voor jou werkt en fantastische en onverwachte effecten creëert.

Wat is het meest bevredigende moment in je hele artistieke carrière? Heb je zin om het te vertellen?
Eerlijk gezegd moet ik zeggen dat ik veel bevredigingen heb gehad die verband houden met de periode van mijn artistieke activiteit. Vooral momenten waarin ik mijn artistieke ader heb gezien die zowel door het publiek als door de critici waarmee ik de kans had om mezelf te confronteren, werd herkend.
Maar het meest bevredigende moment was toen ze me vroegen om een cursus olieverfschilderen te houden, met volwassen studenten, die deze prachtige techniek wilden leren en verdiepen. Eindelijk kon ik al mijn passie voor de schilderkunst doorgeven aan andere mensen. Het waren prachtige momenten van werken, studeren en vergelijken. Iedereen met zijn eigen stijl en emoties. Momenten samen culmineerde, aan het einde van de cursussen, in een prachtige collectieve tentoonstelling. Helaas heeft het jaar 2020 mij niet in staat gesteld om deze fantastische ervaring, die naar ik hoop zo snel mogelijk zal worden hervat, voort te zetten.

Welke kunstenaar of welk schilderij inspireert je het meest? Was er een bepaalde meester die je de eerste impuls gaf om te schilderen?
Ik heb de ateliers van verschillende kunstmeesters bezocht, maar het was de Milanese meester Aurelio Pedrazzini die me aanspoorde, ondersteunde en me leidde naar dat artistieke pad dat ik vandaag de dag nog steeds met grote passie volg. In zijn kunst herkende ik mezelf: dezelfde liefde voor intense kleuren, voor de natuur en voor de zoektocht naar licht. Zijn schilderijen zijn voor mij altijd een bron van inspiratie en sterke emoties geweest. Ik heb veel geleden voor zijn verlies, maar wat hij aan mij overdroeg zal nooit sterven.
Voor de aquareltechniek was ik erg onder de indruk van de stijl van Jean Haines: een vrije, expressieve en opvallende stijl. Zijn kleuren zijn mijn kleuren! In zijn werken zie je de combinatie van water en kleur. Pure emotie!

Laten we het hebben over dromen: als je een hele dag met een kunstenaar (zelfs een gehistoriseerde) zou kunnen doorbrengen, met wie zou je die dan doorbrengen en waarom?
Sinds ik een meisje was heb ik sterke emoties gevoeld in het bewonderen van de schilderijen van impressionistische schilders die altijd op zoek zijn naar optische effecten. Het zou een droom zijn om een hele dag door te brengen met een van de oprichters van het impressionisme: Claude Monet. Het schilderen van “en plein air”, het verdiepen van de studie van licht, wind en schaduwen op verschillende tijdstippen van de dag of de seizoenen zoals Monet deed om de essentie en de vergankelijkheid van de natuur vast te leggen. “Ik volg de natuur zonder het te kunnen begrijpen.” Een droom om de tuin van Giverny, de schoven, de waterlelies, de kathedralen van Rouen…

Dank aan Susanna Maccari voor de elegantie van haar antwoorden, ik nodig u uit om een kijkje te nemen op de pagina gewijd aan haar op de website criticarte.org waar u de werken op Nederlands grondgebied kunt vinden: Susanna Maccari – Italian art by ELisa Manzoni (criticoarte.org)

La Rubrica “domanda all’artista” / The “ask the artist” section / De “vraag het aan de kunstenaar” sectie

Il progetto “Arte italiana contemporanea in Olanda” pian piano sta prendendo forma ed è ormai necessario fare due chiacchiere con gli artisti italiani che vi aderiscono per avere l’occasione di conoscerli più dettagliatamente. Con la Rubrica “Domanda all’artista” si porranno cinque domande, chiare e semplici, in cui gli artisti si metteranno a nudo ed esporranno la loro poetica, le loro idee, il loro IO più profondo in tutta libertà. A partire da dicembre 2020, con cadenza quindicinale, gli artisti risponderanno alle domande in italiano, in inglese ed in olandese, e potranno esporre virtualmente le opere d’arte che caratterizzano maggiormente il loro percorso artistico.

La rubrica “Domanda all’artista” sarà visibile sui diversi social network con #Asktheartist #italianartinnetherlands.

Gli artisti italiani che fanno parte del progetto sono: Claudio Caporaso, Gianluca Cremonesi, Gianni Depaoli, Giuliano Giuggioli, Susanna Maccari, Elisabetta Maistrello, Patrizia Monzio Compagnoni, Ivo Mora, Giulio Pettinato, Giorgio Riva, Gianluca Somaschi, Fabrizio Spadini, Leonardo Vecchiarino.

The project “Contemporary Italian Art in the Netherlands” is gradually taking shape and it is now necessary to have a chat with the Italian artists who are taking part in it in order to get to know them in more detail. Under the heading “Question to the artist”, five questions will be asked, clear and simple, in which the artists will lay bare their poetics, their ideas, their deepest IO in complete freedom. Starting in December 2020, every fortnight, artists will answer questions in Italian, English and Dutch, and will be able to virtually display the works of art that most characterise their artistic career.

The section “Question to the artist” will be visible on the different social networks with #Asktheartist #italianartinnetherlands.

The Italian artists who are part of the project are: Claudio Caporaso, Gianluca Cremonesi, Gianni Depaoli, Giuliano Giuggioli, Susanna Maccari, Elisabetta Maistrello, Patrizia Monzio Compagnoni, Ivo Mora, Giulio Pettinato, Giorgio Riva, Gianluca Somaschi, Fabrizio Spadini, Leonardo Vecchiarino.

Het project “Hedendaagse Italiaanse kunst in Nederland” krijgt geleidelijk aan vorm en het is nu nodig om een praatje te maken met de Italiaanse kunstenaars die zich bij het project aansluiten om ze beter te leren kennen. Onder het kopje “Vraag aan de kunstenaar” worden vijf vragen gesteld, duidelijk en eenvoudig, waarin de kunstenaars hun poëzie, hun ideeën, hun diepste IO in alle vrijheid blootleggen. Vanaf december 2020 zullen de kunstenaars om de twee weken vragen beantwoorden in het Italiaans, Engels en Nederlands en zullen ze de kunstwerken die het meest kenmerkend zijn voor hun artistieke carrière virtueel kunnen tonen.

De sectie “Vraag aan de kunstenaar” zal zichtbaar zijn op de verschillende sociale netwerken met #Asktheartist #italianartinnerlands.

De Italiaanse kunstenaars die deel uitmaken van het project zijn: Claudio Caporaso, Gianluca Cremonesi, Gianni Depaoli, Giuliano Giuggioli, Susanna Maccari, Elisabetta Maistrello, Patrizia Monzio Compagnoni, Ivo Mora, Giulio Pettinato, Giorgio Riva, Gianluca Somaschi, Fabrizio Spadini, Leonardo Vecchiarino.